Sobre la obra “La última región” de Eugenia Calvo | About the exhibition ‘La última región’. Eugenia Calvo
Lara Marmor
On 25 July, the El Rosario freight agency received a call for a shipment to Buenos Aires. The client took not five but ten minutes to explain the contents of the boxes. She also enthusiastically detailed the number and size of the slabs and beams to be included in the shipment. Mirta, the company’s telephone operator, agreed on the cost of the trip and the delivery date. The client gave her the address: Alsina 673, Capital Federal.
The young woman left for Buenos Aires. Before starting work, she bought a can of citrus green paint. Wearing a headband and apron, she painted one wall and the plastic panels on the floor. In this way she defined a rectangle in the room. After three days of assembly, the result was visible. On the wall and on the painted floor were dozens of legs of all kinds: legs of tables, chairs and beds, sticks and beams. They all belonged to the Garrote family. Eugenia Calvo (Rosario, 1976) unfolded the pieces methodically and rhythmically. As a seizure of weapons, the composition was called ‘The Last Region’.
Eugenia Calvo was invited by the Fondo Nacional de las Artes to create an exhibition in its underground hall, which since 2009 has been dedicated to site-specific productions. To this end, the institution grants each invited artist or collective between 1000 and 1500 pesos.
An exhibition of clubs and truncheons
Descending the stairs, the visitor encounters a display of sticks, clubs, truncheons and bats. He looks at them and, harassed by the silence and darkness of the room, looks paranoidly up and to the side. Then comes the uncertainty about the origin and destination of the objects. From earlier works such as ‘El método tradicional’ (2007), in which the close-up of the photographic shot transforms the mashed potato into a storm over the landscape of an English dinner service, to her most recent proposal, ‘La última región’, Eugenia Calvo plays with the deviation of the original functionality of the object: the plate served at a family dinner is transformed into a painting, or a bed leg into a weapon. The dislocation is so suggestive that it cannot be indifferent, because it always exudes a sense of threat.
While the 2007 series ‘Enthusiasm and Generosity’ depicts domestic interiors with debris or stones, the photographs in ‘Weekend’ (2008) record holiday homes that, from the perspective of the photographer, appear to be covered with sand or bushes up to the roof, as if an eternity had passed since they were last inhabited. From inside or outside, the artist constructs the perspective of a survivor. Her projects, the result of months of work, always raise the pulse and insist on placing the spectator in front of scenes that exude tension. The path of actions with tormented or tormenting objects has a long life.
As if on standby, the artist’s works reveal the presence of a suspended time. The 2010 photographic series ‘Alarms’ presents various domestic environments that warn of a violent outcome. Since time cannot stand still, the work posits the inevitability of disaster: a tall, unstable stack of cups stands behind a half-open door; the blades of an unlit fan hold glasses of white wine in a deserted room; and a bowl of pasta rests expectantly on knotted napkins tied to a door handle. It is impossible to ignore that the morphology of each of these objects can lead the viewer to sublimate his anger in an act of violence, although it can also, if his spirit is more optimistic, invite him to undertake a constructive task that seems almost impossible due to the absence of other elements.
Accumulation as work
Trained at the Faculty of Humanities of the National University of Rosario, the artist works in a variety of media: photography, video, installations and performances. She is part of the artistic community of a province that is still alive today, thanks in part to the functioning of the Museo de Arte Contemporáneo (MACRO) and to projects run by artists and art theorists themselves, dedicated to the development of the production of works, Roberto Vanguardia, founded by Calvo in 2004 together with Lila Siegrist, Mauro Guzman, Sebastián Pincirolli and Nancy Rojas, or the artists’ residency El Levante, which operated between 2003 and 2008. La última región’ proves that Rosario continues to be a powerhouse in the visual arts, with works such as ‘El asesino de tu herencia’ by Adrián Villar Rojas at the last Venice Biennale and the first prize-winning Petrobrás ‘Autorretrato sobre mi muerte’ by Carlos Herrera.
In this context, the young artist works in her studio, which looks more like a scrap yard than the classic ‘atelier’ of the artiste bohème. In addition to the material work of selecting, moving and associating pieces, there is also the immaterial work of imagining before going to sleep, thinking while eating soup or writing while travelling by bus. At a time when the artist’s work is not recognised as such, it is no longer an anecdotal – albeit meagre – fact that the artist’s work is not recognised as such.
Under threat
Visitors to The Last Region cannot help but notice that the basement has been transformed into an unsettling place. The wooden objects stand out against the floor and the bright green walls. The colour isolates the whole architecture and announces the premise that it is fiction. The dialogue between the green container and the brown wood is deeply related to the collection of green and blue dyed furniture and objects that the artist presented in 2009 under the title ‘The Prevailing Forces’. The relationship between colour and the environment and its effect on perception covers a wide spectrum in modern and contemporary art, from the painting ‘L’Atelier’ (1911), in which Matisse reproduced the image of his studio according to his perception, to the works of the constructive avant-gardist Raúl Lozza, the sensory experiments of Helio Oiticica and the current experiments of artists as diverse as Liam Gillick and Karina Peisajovich.
In contrast to the darkness of the room, the lighting, which focuses on the accumulation of pieces, presents the composition as a scenographic space. Some want to pick up a club, but can´t. It is a provocation, the club as a weapon, as a tool for an act of sabotage or vandalism reminds us, albeit at a distance by a quantitative difference, of the stick that the artist Luciana Lamothe leaned against the entrance glass of the Ruth Benzacar gallery in her work «Función».
Inventorying
Guarded by the building’s security guards, the installation of the subsoil as a layer of an archaeological excavation is concerned with revealing the history of a context. This work, like the previous ones, works with objects and things that circulate in the world to give them a new meaning. The passion for accumulating and transforming the fate of the elements has been the subject of stories and novels; it has preoccupied philosophers and art theorists. Musicians like Pierre Schaeffer and dancers like the Stomp make even the most exquisite ear vibrate with broomsticks or disposable cups. The game of dislocating the original function began at the beginning of the decade with the Duchampian Ready Mades, and the works that are so recurrent today, conceived as accumulation, inventory, collection or archive, are not new either.
As early as the 1920s, the then unknown Joseph Cornell was scouring Manhattan for the little Chinese birds, bottles and coloured marbles he would later use to create his wonderful art boxes. In the decades that followed, artists from all over the world collected all sorts of things to twist their destinies. In the 1990s, the operation of the inventory – chaotic or regulated – intensified, and artists such as Portia Munson or Karsten Boat came to collect hundreds of objects for their installations. But it was not until the new millennium that these practices multiplied worldwide. In 1999, the exhibition Deep Storage, curated by Ingrid Schaffner, brought together this kind of conceptual practice and neo-conceptualism for the first time. Didi Huberman’s exhibition How to carry the world on your back? at the Museo Reina Sofía at the end of last year would give the matter a new twist.
All roads lead to Rome
Today, there are countless local installation artists who work with objects. They reveal the world they inhabit through personal objects, work materials, rubbish or clothes. Their proposals follow different paths, asking questions about the way chance is constructed, about the rhetoric of consumption, or questioning taxonomic mechanisms. They open channels to intervene in the archives of culture from heterogeneous perspectives and search engines. For this reason, originality is not the measure to evaluate these practices, whose presence is still pulsating.
Some of Eugenia artist’s works are like a magic trick, others reveal the scene of the crime, bring us closer to fragments of a system that is falling apart, are a trap, an archaeological pit or simply the staging of the before or after of the scene of sin. As the clubs of ‘The Last Region’ trill secretly, as they do on home nights, they wait restlessly to be caught before returning home along Route 9. They dream of joining a barricade or a rebellion, as the men of Britain’s Ninth Legion, better known as the ‘Last Legion’, did with sword and club in defence of the ancient Roman Empire.
El 25 de julio la agencia de fletes “El rosario” recibió una llamada para hacer una encomienda a Buenos Aires. La clienta no se tomó cinco minutos, sino diez para explicar el contenido de las cajas. También detalló con entusiasmo la cantidad y el tamaño de las placas y vigas que se sumaban al traslado. Mirta, la telefonista de la empresa acordó el valor del viaje y la fecha de entrega. La clienta le dio la dirección, Alsina 673, Capital Federal.
La joven viajó a Buenos Aires. Antes de comenzar su tarea compró una lata de pintura color verde cítrico. Con vincha y ropa de fajina pintó una pared y las placas de plástico dispuestas en el piso. De este modo, delimitó un rectángulo dentro de la sala. Luego de tres días de montaje el resultado estaba a la vista. Contra la pared y el piso pintado había apoyado decenas de patas de todo tipo: patas de mesas, sillas y camas, palos y vigas. Todas ellas relacionados a la familia del garrote. Eugenia Calvo (Rosario, 1976) desplegó metódica y rítmicamente las piezas. Como una decomisación de armas la composición se llamó “La última región”.
Eugenia Calvo fue invitada por el Fondo Nacional de las Artes para realizar una exposición en la sala de su subsuelo, que desde 2009 se encuentra destinada a producciones site-specific, es decir, propuestas realizadas para el lugar. Para ello, la institución otorga a cada artista o colectivo invitado entre $1000 y $1500.
Muestrario de garrotes o cachiporras
Al bajar las escaleras el visitante se encuentra con un muestrario de palos, cachiporras, trancas y garrotes. Lo mira y acosado por el silencio y la oscuridad de la sala, observa paranoico hacia arriba y a los costados. Luego aparece la incertidumbre sobre el origen y al destino de los objetos. Desde obras anteriores como “El método tradicional” (2007), donde el primerísimo plano de la toma fotográfica transformaba al puré de papas en tormenta sobre el paisaje de una vajilla inglesa, hasta su más reciente propuesta, “La última región”, Eugenia Calvo juega con el desvío de la funcionalidad original del objeto: el plato servido en un almuerzo familiar se transforma en cuadro o una pata de cama en arma. La dislocación es tan sugestiva que no puede ser indiferente porque siempre destila una sensación amenazante.
Mientras que la serie fotográfica “Entusiasmo y generosidad” de 2007 retrata interiores domésticos con escombros de tierra o piedras, las fotos de “Weekend” de 2008 registran casas de veraneo, que por la perspectiva de la toma, aparentan estar tapadas hasta el techo por arena o arbustos como si una eternidad hubiese pasado desde la última vez que fueron habitadas. Desde adentro o por fuera, la artista construye la perspectiva de un sobreviviente. Sus proyectos, resultado de meses de elaboración, siempre hacen aumentar las pulsaciones, insisten una y otra vez en situar al público frente a escenas que exudan tensión. El derrotero de acciones con objetos atormentados o que atormentan tiene larga vida.
Como en stand by, en los trabajos de la artista se percibe la presencia de un tiempo suspendido. La serie fotográfica “Alarmas” de 2010 presenta diversos ambientes domésticos que advierten un desenlace violento. Como el tiempo no puede detenerse, la obra plantea la inevitabilidad del desastre: una alta e inestable pila de tazas se alza tras una puerta entreabierta; las astas de un ventilador apagado sostienen en la habitación desierta copas con vino blanco y una fuente de fideos reposa expectante apoyada sobre servilletas anudadas y atadas al picaporte de una puerta. “La última región” invita al espectador a tomarse un tiempo, es imposible ignorar que la morfología de cada uno de los objetos puede atraerlo para sublimar su ira en un acto de violencia, aunque también puede convocarlo, si su espíritu es más optimista, a emprender una tarea constructiva que promete ser casi imposible por la ausencia de otros elementos.
La acumulación como trabajo
Formada en la Facultad de Humanidad de la Universidad Nacional de Rosario, la artista trabaja a partir de diversos medios: la foto, el video, las instalaciones y las performances. Ella es parte de la comunidad artística de una provincia que hoy se mantiene vital, en parte, por el funcionamiento del Museo de Arte Contemporáneo (MACRO) y gracias a proyectos autogestionados por artistas y teóricos del arte, dedicados al desarrollo de producción de obra, la investigación y la difusión del arte contemporáneo, como el espacio Roberto Vanguardia fundado en 2004 por Calvo junto a Lila Siegrist, Mauro Guzman, Sebastián Pincirolli y Nancy Rojas o la residencia de artistas el Levante, que funcionó entre 2003 y 2008. “La última región” testifica que Rosario sigue funcionando como usina en el campo de las artes visuales junto a obras como “El asesino de tu herencia” de Adrián Villar Rojas en la última Bienal de Venecia y el primer premio Petrobrás “Autorretrato sobre mi muerte”, de Carlos Herrera.
En este contexto, la joven artista trabaja en su taller, más parecido a un desarmadero que al clásico “atelier” del artiste bohème. Al trabajo material: la elección de las piezas, su traslado y los juegos de asociación, se suma el inmaterial: imaginar antes de dormir, pensar mientras se toma la sopa o escribir durante el viaje en micro. En una coyuntura donde el trabajo del artista no es reconocido como tal, deja de ser un dato anecdótico, -aunque magro- el reconocimiento monetario por parte del Fondo Nacional de las Artes.
Bajo amenaza
Quien visita “La última región”, no puede ignorar que el sótano se transformó en un lugar inquietante. Allí los objetos de madera resaltan sobre el piso y la pared vestida de verde vibrante. El color aísla el conjunto de la arquitectura y enuncia la premisa que determina que se trata de ficción. El diálogo entre el verde-contenedor y el marrón-madera encuentra de este modo, profundos lazos de contacto con la acumulación de muebles y objetos teñidos de verde y azul que la artista presentó en 2009 bajo el título “Las fuerzas predominantes”. La relación del color con el ambiente y sus efectos sobre la percepción abarca un generoso espectro dentro del arte moderno y contemporáneo, desde el cuadro “L´ Atelier” (1911), donde Matisse reprodujo según su percepción la imagen de su taller, pasando por los trabajos del vanguardista constructivo Raúl Lozza, los ensayos sensoriales de Helio Oiticica, hasta llegar a las experimentaciones actuales de artistas tan diversos como Liam Gillick o Karina Peisajovich.
En contraste a la oscuridad de la sala, la iluminación focalizada en la acumulación de piezas presenta a la composición como espacio escenográfico. Algunos quieren tomar un garrote pero no pueden. Se trata de una provocación, el garrote como arma, como herramienta de una acción de sabotaje o vandalismo nos recuerda aunque distanciado por una diferencia cuantitativa al palo que la artista Luciana Lamothe apoyó junto al vidrio de entrada de la galería Ruth Benzacar en su última muestra Función.
Inventariando
Custodiada por los hombres de seguridad del edificio, la instalación del subsuelo como estrato de una excavación arqueológica, se ocupa de revelar la historia de un contexto. Esta obra como las anteriores, trabaja con objetos y cosas que circulan en el mundo para darles un nuevo significado. La pasión por acumular y transformar el destino de los elementos ha sido objeto de cuentos y novelas; inquietó a filósofos y teóricos del arte. Músicos como Pierre Schaeffer y bailarines como los Stomp hacen vibrar con palos de escoba o vasitos descartables hasta al oído más exquisito. El juego de dislocación de la función original arrancó a inicios de la década con los ready mades duchampeanos y las obras, hoy tan recurrentes, pensadas como acumulación, inventario, colección o archivo tampoco son novedad.
Ya en los años 20´ en Manhattan, el por aquel entonces ignoto Joseph Cornell buscaba pajaritos chinos, botellas y canicas de colores, con ellos años después haría sus maravillosas cajas de arte. En las siguientes décadas, artistas de todas las latitudes juntaron cualquier tipo de cosas para torcer su destino. En los 90´ se intensificó la operatoria del inventario -caótico o reglado- y artistas como Portia Munson o Karsten Boat llegaron a reunir para sus instalaciones cientos y cientos de objetos. Pero hubo que esperar la llegada del nuevo milenio para que estas prácticas se multipliquen por el mundo. En 1999 la exposición Deep Storage, curada por Ingrid Schaffner, agruparía por primera vez este tipo de prácticas conceptuales y del neo-conceptualismo. Didi Huberman hacia fines del año pasado en el Museo Reina Sofía bajo la curaduría de ¿Cómo llevar el mundo a cuestas? le daría una vuelta de tuerca al asunto.
Todos los caminos conducen a Roma
Hoy, los artistas instalacionistas en el contexto local que trabajan con objetos son innumerables. Ellos revelan el mundo que habitan con objetos personales, materiales de trabajo, basura o ropa. Sus propuestas discurren por diferentes caminos, haciéndose preguntas respecto al modo en que se construye el azar, sobre la retórica del consumo o bien cuestionan mecanismos taxonómicos. Abren los canales con el fin de intervenir en los archivos de la cultura desde perspectivas y motores de búsquedas heterogéneos. Es por eso que la originalidad no es la medida para evaluar estas prácticas, cuya presencia aún sigue siendo pulsante.
Algunas obras de la artista rosarina son como un truco de magia, otras revelan la escena del crimen, nos acercan fragmentos de un sistema que se cae a pedazos, son una trampa, una fosa arqueológica o simplemente la escenificación del antes o después de la escena del pecado. Mientras los garrotes de “La última región” trinan sigilosos, como lo hacen las cosas durante las noches hogareñas, esperan inquietos ser capturados antes de volver a casa por la ruta 9. Sueñan con unirse a una barricada o una rebelión como lo hicieron con espadas y garrotes para defender el antiguo Imperio Romano los hombres de la novena legión de Bretaña, mejor conocida como la “última legión”.